Fotografía Amalia Wakonigg

En otra octava plantea un cambio de materia y de escala en la obra de Isabel Pan de Soraluce. Frente a las piezas de gran formato talladas en madera, que han caracterizado buena parte de su trayectoria, la artista presenta ahora un repertorio de módulos de resina epoxi coloreada. El título alude a este desplazamiento: una misma investigación sobre la vibración del color se desarrolla en otro registro, a través de la transparencia, la luz y la posibilidad de combinar las formas.

El cubo constituye la unidad básica de este nuevo repertorio. En sus combinaciones resuena el Módulo HELE del arquitecto Rafael Leoz, como memoria de unas formas capaces de crecer y construir espacio. Pan de Soraluce despliega esa posibilidad mediante prismas, arcos y volúmenes perforados, atravesados por el color y la luz. Cada agrupación sugiere una arquitectura de escala incierta: un objeto, un edificio o el fragmento de una ciudad imaginaria.

El color forma parte de la estructura de estos conjuntos. Amarillos, rosas, turquesas y verdes alternan con cuerpos oscuros y superficies lechosas. Algunas piezas permiten ver a través de ellas; otras filtran la luz o interrumpen la mirada. Estas diferencias generan ritmos y modifican la percepción del peso y la profundidad. La vibración cromática surge de la relación entre los módulos y se transforma a medida que la mirada los recorre.

Dispuestas en el espacio, las esculturas pueden leerse como cartografías imaginarias. Los intervalos entre ellas adquieren la presencia de plazas, calles o territorios aún por ocupar. De esta geografía de cuerpos translúcidos emerge la imagen de una ciudad astral, en la que el color establece afinidades y distancias. La pintura comparte este vocabulario de geometrías y vacíos, y permite observar cómo una forma se transforma al pasar de la superficie al volumen.

La exposición ofrece también la posibilidad de adquirir piezas individuales y elaborar con ellas nuevas composiciones. Cada módulo conserva su autonomía y, al mismo tiempo, puede integrarse en una construcción distinta de la propuesta inicialmente por la artista. Esta apertura introduce una dimensión de juego y elección personal: reunir colores, ensayar equilibrios, imaginar un lugar propio.

«No hay una única manera», escribe Isabel. La precisión de las formas convive aquí con la libertad de disponerlas. Cada conjunto constituye una configuración posible de una obra abierta a ser pensada de nuevo.

Postcrisis fue un proyecto expositivo distribuido entre siete espacios independientes de Madrid que reflexionó sobre las consecuencias sociales, políticas, económicas y urbanísticas de la crisis financiera de 2008. Tomando el ladrillo como símbolo material y conceptual de aquel periodo, la exposición reunió a ocho artistas cuyas obras abordaban cuestiones como la especulación inmobiliaria, la memoria, la transformación del territorio y los modelos de producción contemporáneos.

En Casa Banchel se presentaron dos proyectos específicos que exploraban la dimensión política e histórica de los materiales de construcción y su relación con la memoria urbana, integrando el espacio de la casa dentro de un recorrido expositivo que invitaba al público a desplazarse por diferentes barrios y espacios culturales independientes de Madrid.

Mario Espliego — Molienda

Clara Montoya — El ladrillo que no está, x = p.v.p.

El amplio tragaluz que, al nivel de la calle, ilumina el semisótano, es invisible fue una exposición colectiva desarrollada en colaboración con el Máster LAV y comisariada por Jorge Suárez-Quiñones Rivas. A partir de las singularidades arquitectónicas de Casa Banchel, el proyecto reunió a diez artistas para explorar las relaciones entre luz, espacio, percepción y visibilidad, entendiendo el semisótano como un lugar de experimentación y producción de nuevos imaginarios

Bajo este tragaluz invisible se establecen, en la oscuridad, las coordenadas tridimensionales para la producción y simultaneidad de espacios, de ahora en adelante materializados en forma de luz. 

La fuente, otros posibles tragaluces: instalaciones audiovisuales que renderizan espacio-tiempos, que proponen unos límites arquitectónicos, visuales y sonoros en un intento de dar forma desde el presente a experiencias pasadas, olvidadas, ignoradas, inasibles o todavía no vividas. Ejercicios de (des)memoria, recapitulación y confrontación.

Las imágenes y los sonidos se filtran a través del tragaluz, y en este proceso lo audiovisual se desplaza, se pone a prueba, se transforma, se dispone a la comunicación. Son espacios desde otros espacios: el paisaje desde el objeto, el universo desde la sala de proyección, el bosque desde la pantalla.

Obras que plantean la posibilidad de volver disponible un espacio –emocional, virtual, táctil, post-humano–, y en él, un tiempo, un texto, un recuerdo, un sueño, una imposibilidad, otro espacio. Ampliar y multiplicar como estrategia, dejar que eso que se quiere materializar resuene físicamente en la envolvente arquitectónica. Reconstruir y habitar nuevos espacios: el código, la interferencia, el fragmento, el palimpsesto.

Participan:

Iván Candeo
Daniel Herrero
Cristóbal Espinosa
Rafael Guijarro
Vale Hofmann
Daniel Alegrete
Rocio Morato
Camila Kevorkian
Andrea Sotelo
Elena Vigó

Fotografía Pablo Useros

Artistas peruanos y españoles se reunieron en Casa Banchel para reflexionar sobre las dinámicas de intercambio entre ambas tierras y sobre los lenguajes en los que cada uno establece su práctica. El punto de partida fue la historia del cajón, y cada artista presentó obra revisada o específica como reacción a ese hito y nexo cultural.

El cajón es un instrumento de percusión de la costa sur de Perú, con un origen que se sitúa entre los siglos XVI y XIX. En esa época, todo tambor hallado en posesión de los esclavos africanos se quemaba para impedir su uso como medio de comunicación o en rituales. Necesitados de expresarse musicalmente, reciclaron contenedores de mercancías y, encolando seis planchas de madera balsa, crearon un tambor disfrazado de asiento. En 1977, durante una gira por Perú, Paco de Lucía conoció a Caitro Soto y su cajón, volvió con él a España y lo introdujo de forma permanente en el flamenco.

Las obras

• Teté Leguía, Cualquier cosa es mejor que la estasis. Obra sonora que se enfrenta a la idealización del progreso mediante el “Shepard’s tone”, una audio-ilusión.

• Clara Montoya, Speak to Me. Instalación sonora en la que, a través de sensores de pulso, un coro de percusión colectivo e irrepetible compone un paisaje sonoro amplificando los latidos de los visitantes.

• Colectivo Ánima Lisa, Comentarios Reales. Soporte para un libro aún por escribir, hecho con papel reciclado y antiguos billetes de diez Soles de Oro de Perú (edición de 1973) con la imagen del Inca Garcilaso de la Vega, considerado el primer mestizo racial y cultural de América.

• Los Torreznos, La Cultura. Obra de acción en tres actos que parte de tres afirmaciones: “No hay nadie inculto”, “Si te cortan la cabeza no hay cultura” y “La cultura es un pasatiempo de la muerte”. En sus diálogos, Jaime Vallaure y Rafael Lamata reflejan su visión de la cultura desde Occidente.

• Diego López Bueno, Con la mano levantá. Videoinstalación: una recopilación de manos capaces de escribir, señalar, sostener, rascar, pasar páginas, pulsar, pescar, golpear, acariciar, abrir y cerrar puertas, a partir de material apropiado por las manos del propio artista, que no aparecen.

• Lúa Coderch, Reciprocidad. Instalación con un aparato programado para llamar a un directorio de teléfonos de instituciones y organizaciones de España y Perú, elaborado para la muestra y desarrollado con el apoyo de Enrique Mandujano.

• Pierina Seinfeld, No es oro todo lo que reluce. Escultura interactiva: un taladro manual, operable por el público, que perfora en altura una piedra pirita, el oro de los tontos.

• Mar Reykjavik, Una Torre. Acción e instalación a partir de una imagen de archivo de una muixeranga, nombre de los castillos humanos valencianos que se conservan en Algemesí. Es una reinterpretación coreográfica de la “torre humana”, tendencia viral en YouTube, dentro del proyecto Body As A Brick.

Mujer, Objeto fue una exposición colectiva sobre diseño con sello femenino que reunió en Casa Banchel el trabajo de 17 mujeres emergentes del diseño, la arquitectura y las artes plásticas de ámbito nacional. La coma del título no es un adorno: era un guiño de humor para mostrar objetos creados por mujeres para todos, de uso inmediato y cotidiano, y una invitación a especular sobre el significado y los límites de los dos conceptos que daban nombre a la muestra, mujer y objeto, generando debate al asociarlos y enfrentarlos.

La exposición estuvo comisariada por Claudia Paredes y Teresa Fernández-Pello, con la intención de reunir a un grupo de creadoras que disfrutan de su trabajo y quieren darle visibilidad. Las piezas apuntaban a lo que llegará a nuestras casas en unos años: nuevos materiales tratados de otra manera, experimentación con colores y formas imposibles y piezas inacabadas a las que cada persona aporta su propia función.

Entre lo expuesto había un tocador para mirarse hacia dentro, un jardín vertical de plantas vivas a modo de celosía para mirar sin ser visto, accesorios hechos con redes de pescadores gallegos, un biombo bordado, alfombras artesanales y conceptuales, jarrones con forma de roca volcánica tallada con disolvente, un kimono pintado a mano, un banco contundente, asientos escultóricos, lámparas constructivas, una vajilla ligera y porosa de hormigón, formas humanas cosidas, un bulbo-lámpara ambiental, cerámica rosada y una mesa colaborativa.

Artistas participantes:

Sandra Planes, Sara Regal, Valeria Vasi, María Ramírez, Carlota Rodríguez, Pía Mendaro, Paula Clavería, Elena y Selina Feduchi, Lebora Deby, Marta Ayala, Nazara Lázaro, Ainhoa Garmendia, Claudia Paredes, Irene Infantes, Teresa Fernández-Pello, Inés Llasera y Marta Armengol.

Exposición colectiva comisariada por Studio La Cube y Andrés Izquierdo que reunió a jóvenes diseñadores, artistas y arquitectos en torno al diseño entendido como proceso de investigación. La muestra exploró nuevas metodologías de trabajo y las fronteras entre diseño, arte y arquitectura. El proyecto curatorial nació bajo el nombre de Molto Molto Fuori, haciendo un juego de palabras irónico con el famoso Fuori Salone de la Milan Design Week. El concepto aludía a estar "muy muy fuera" tanto a nivel geográfico como en sus objetivos artísticos.

El propósito de esta exposición fue investigar las posibilidades del significado de diseño a través de diferentes obras de diseñadores, artistas y arquitectos, que han generado una serie de proyectos que oscilan entre distintas disciplinas y que cuestionan los límites de las propias palabras que las definen. Al trabajar con la idea de diseño como proceso, se ha tomado como referencia el planteamiento del arte procesual, y a partir de esto han querido proponer la experimentación y la investigación como sus pilares fundamentales.

Ambos campos pueden ser entendidos de muy distintas maneras, en lo que influye no sólo la perspectiva personal de cada uno sino también de la rama en la que se inscribe. Es precisamente este el motivo de haber aunado creadores provenientes de diversos campos y lenguajes, que desde su propio terreno han contribuido a una reflexión colectiva sobre estas cuestiones.

La investigación y experimentación de cada uno y la relación entre estos procedimientos y los objetos que han ido creando han generado una serie de obras muy distintas pero cuyo nexo es esa indagación común. Con ello, el objetivo fue revertir algunos de los significados más usuales asociados al diseño para incorporar a este otros conceptos, propios del proceso creativo en sí, y así, a través de una reflexión colectiva desde distintos ámbitos, poder contribuir a la generación de un campo amplio del diseño.

Artistas y obras

• Vanessa Alessi, Centomila Corridori

• Carlos Álvarez, Dos Documentales

• Luca Hugo Brucculeri, Crash Hill 611

• Max Enrich, Senza Titolo

• Esther Gatón, Costillar y Skin grafting en los vados

• Andrés Izquierdo, Volúmenes Negativos

• Luis A. Martín Muñoz, Peine

• Omayra Maymó, Agarrar, Envolver, Plegar

• Lucas Muñoz Muñoz, Asentamiento Inverso

• Parasite 2.0, Perpetual Motion Agency

• Jorge Penadés, Escombros

• Sara Regal Alonso, Anemone

• Studio La Cube, Ad infinitum

• Julen Ussía, Still Nothing

Fotografía Nicolas Chiaravalloti